Ein Theaterstück schreiben

In einem Theaterstück geht es um Drama und Handlung in seiner reinsten Form. Alles, womit du arbeiten kannst, sind die Personen und Sprache. Wenn du in einer Linie mit Shakespeare, Ibsen und Arthur Miller stehen willst, dann musst du eine starke Geschichte entwickeln, die auf Persönlichkeiten basiert und dazu gedacht ist, in einem Theater aufgeführt zu werden. Mit ein bisschen Glück wirst du den Kick erleben, den es bedeutet, dein Stück produziert und aufgeführt zu sehen.

Teil 1

Teil 1 von 3:

Deine Geschichte entwickeln

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Beginne mit den Figuren. Theaterstücke sind personenbasierte Texte. Da es hauptsächlich um viele Dialoge zwischen verschiedenen Leuten geht, müssen deine Personen so glaubwürdig wie möglich sein. In großartigen Stücken werden die inneren Spannungen zwischen Figuren nach außen hin deutlich. Anders ausgedrückt, die Figuren müssen Probleme haben, die sich in ihrem Verhalten zeigen.
- Was will deine Figur? Was hält sie davon ab, zu bekommen, was sie will? Was steht ihr im Weg?
- Eine gute Art, um eine Figur zu entwickeln, ist, über interessante Jobs nachzudenken. Was ist die härteste Arbeit, die du dir vorstellen kannst? Gibt es eine Arbeit, über die du schon immer neugierig warst? Was für ein Mensch wird ein Fußspezialist? Wie kommt man zu so einem Job?
- Mache dir keine Gedanken über den Namen oder die physische Beschreibung deiner Figur. Es nützt dir nichts, über eine Person namens Raffa zu wissen, dass er 1,90 m groß ist, einen Waschbrettbauch hat und manchmal T-Shirts trägt. Halte dich an ein herausstechendes und bedeutsames körperliches Detail. Vielleicht hat deine Figur eine Narbe auf einer Augenbraue, weil sie von einem Hund gebissen wurde oder vielleicht trägt sie nie Röcke. Das erzählt etwas über ihren Charakter und verleiht ihm Tiefe.
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Denke über den Handlungsort nach. Der Ort der Handlung ist, wo und wann die Geschichte spielt. Eine wichtige Art, um Drama zu schaffen, ist deine Figur in einer angespannten Situation oder an einem spannungsgeladenen Ort zu platzieren. Die Kombination aus Figur und Ort kann eine gute Art sein, um eine Persönlichkeit zu entwickeln und sie erlaubt dir auch, herauszufinden, was für eine Geschichte aus der Anwesenheit der Figur an jenem Ort entstehen könnte. Wenn ein Fußspezialist dich interessiert, wie wäre es dann, ein Fußspezialist in Paris in Texas zu sein? Was für ein Mensch wird dort zum Beispiel ein Fußspezialist? Wie kommt man dort hin?
- Sei so genau wie möglich, wenn du deinen Handlungsort entwickelst. “Die jetzige Zeit” ist nicht so interessant wie “Dr. Wilsons Familienpraxis, neben dem West Hillsboro Einkaufszentrum, im Süden der Stadt, um 15:13 Uhr am Karfreitag.” Je genauer du bist, desto mehr hast du, womit du arbeiten kannst.
- Denke darüber nach, was für andere Figuren der Handlungsort hervorbringen könnte. Wer arbeitet an der Rezeption der podologischen Praxis? Wenn es ein Familiengeschäft ist, dann vielleicht die Tochter des Fußspezialisten. Wer hat an einem Freitag einen Termin? Wer wartet? Warum sind sie da?
- Denk darüber nach was möglich ist. Wenn du ein Stück in der Zukunft schreibst überleg dir, was für eine Zukunftswelt du aufbauen willst.
- Spielt dein Stück in einem Wald vergewissere dich, dass du genug Zeit und Geld hast, um diesen echt aussehen zu lassen.
- Schreibe genau, warum die Umgebung ist wie du sie beschreibst. Z.B. wenn ein Tornado über den Wald fegt und dieser dann komplett zerstört ist.
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Überlege dir die innere Geschichte. Die “innere” Geschichte meint die psychologischen Konflikte, die sich innerhalb der Figuren abspielen. Diese sind während der Geschichte meistens verdeckt, aber es ist wichtig, dass du während des Schreibens ein Gefühl dafür hast. Die innere Geschichte leitet die Figuren in ihren Entscheidungen während der gesamten Handlung. Je konkreter die innere Geschichte ist, desto leichter wird es sein, die Figuren zu schreiben. Sie werden ihre eigenen Entscheidungen treffen.
- Vielleicht wollte dein Fußspezialist eigentlich ein Neurologe werden, aber hatte dazu nicht den Mut. Vielleicht war die podologische Ausbildung diejenige mit dem leichtesten Stundenplan, die es dem studentischen Alter Ego deiner Figur erlaubt hat, bis spät in die Nacht zu feiern und trotzdem alle Prüfungen zu bestehen. Vielleicht ist der Fußspezialist zutiefst unglücklich und unzufrieden, weil er Texas nie verlassen hat.
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Finde eine passende äußere Geschichte zur inneren Geschichte. Schlechte Handlungen blicken zurück, während gute Handlungen nach vorne schauen. Ein Stück, in dem ein Fußspezialist endlos darüber jammert, wie er kein Fußspezialist sein möchte und sich am Ende mit Schuhpaste umbringt, wäre kein sehr interessantes Stück. Erfinde stattdessen eine dramatische Situation für deine Figuren, die ihren Mut testet und sie irgendwie verändert.
- Wenn es Karfreitag ist, kommen vielleicht die pensionierten Eltern deines Fußspezialisten über das Osterwochenende zu Besuch. Ist dein Fußspezialist überhaupt religiös? Geht er in die Kirche? Muss er vor dem Wochenende nach Hause fahren und putzen? Wird sein Vater ihm SCHON WIEDER seine Hühneraugen präsentieren? Ist das der Tropfen, der das Fass zum Überlaufen bringt? Was passiert?
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Sei dir der Grenzen der Bühne bewusst. Denke daran: du schreibst kein Drehbuch. Ein Theaterstück ist mehr oder weniger eine andauernde Serie von Dialogen zwischen den Figuren. Du musst dich auf die Spannungen zwischen den Personen, die Sprache, und die Glaubwürdigkeit der Figuren konzentrieren. Es ist nicht das ideale Medium für Schießereien und wilde Autojagden.
- Alternativ kannst du dich auch vom traditionellen Theater entfernen und ein Stück mit Szenen schreiben, die unmöglich aufzuführen sind – um damit den Schreibprozess selbst zu testen. Wenn du nicht planst, dein Stück tatsächlich aufzuführen, dann kannst du es wie eine andere Gedichtform behandeln. Bertolt Brecht, Samuel Beckett und Antonin Artaud waren alle bahnbrechend, wenn es darum ging, experimentelle Avantgarde-Stücke zu schreiben, die das Publikum und andere absurde oder surreale Elemente in das Stück miteinbeziehen.
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Lies Theaterstücke und sieh dir einige Produktionen an. Genauso, wie du nicht probieren würdest, einen Roman zu schreiben, wenn du noch nie einen gelesen hättest, ist es auch eine gute Idee, sich mit der Welt des zeitgenössischen Theaters vertraut zu machen. Schaue dir Stücke an, die du gelesen hast und die dir gefallen haben, um zu sehen, wie sie sich auf der Bühne verändern. David Mamet, Tony Kushner und Polly Stenham sind zum Beispiel populäre und anerkannte Dramaturgen.
- Es ist wichtig, Stücke zu sehen, wenn du neue Stücke schreiben willst. Selbst wenn du Shakespeare liebst und in und auswendig kennst, ist es wichtig, sich auch damit vertraut zu machen, was im Hier und Jetzt passiert. Du lebst nicht zu Shakespeares Zeiten, weshalb es auch keinen Sinn macht, Stücke zu schreiben, die so klingen, als ob du es tätest.
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Teil 2

Teil 2 von 3:

Erstfassungen schreiben

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Schreibe eine Probefassung. Selbst wenn dein Plan für “Ostern bei den Podologen” wie eine sichere Eintrittskarte zu den Tony Awards scheint, wird dein eigener Text dich dennoch überraschen. Du hast vielleicht die beste Idee der Welt, aber du musst den Text immer noch schreiben und es auch zulassen, dass du beim Schreiben überrascht wirst.
- In der Probefassung musst du dir keine Gedanken über die Formatierung des Stückes oder “Korrektes Schreiben” machen – lasse einfach alles heraus, das heraus muss. Schreibe, bis du bei deinem Stück einen Anfang, eine Mitte und ein Ende hast. ^{[1]XForschungsquelle}
- Vielleicht taucht eine neue Figur in der Geschichte auf, die alles verändert. Lasse es zu.
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Versuche, das Stück so kompakt wie möglich zu halten. Ein Stück ist im wahrsten Sinne des Wortes ein “Stück” vom Leben, keine Biografie. Es kann zwar verführerisch sein, Jahre in die Zukunft springen zu wollen oder die Hauptfigur dazu zu bringen, ihre Arbeit in der podologischen Praxis aufzugeben und eine erfolgreiche Schauspielerin in New York zu werden. Leider ist ein Theaterstück nicht das beste Medium für solche grundlegenden Charakterveränderungen.
- Dein Stück könnte zum Beispiel damit enden, dass eine einfache Entscheidung getroffen wird oder dass eine Figur etwas angeht, das sie sich noch nie getraut hat. Wenn dein Stück damit endet, dass eine Figur sich oder jemand anderen umbringt, dann denke noch einmal über das Ende nach.
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Bewege dich in der Handlung immer weiter. In den frühen Fassungen wirst du wahrscheinlich viele Szenen schreiben, die abdriften, ohne wirklich irgendwohin zu führen. Das ist in Ordnung. Manchmal muss eine Figur ein langes angespanntes Gespräch mit ihrem Schwager beim Abendessen führen, damit du etwas herausfinden kannst, das dir eine ganz neue Perspektive auf das Stück eröffnet. Super! Das bedeutet, dass du erfolgreich schreibst, aber es bedeutet nicht unbedingt, dass die ganze Abendessen-Szene für das Stück wichtig ist.
- Vermeide Szenen, in denen eine Figur alleine ist. Es kann nichts auf der Bühne passieren, wenn eine Figur im Badezimmer steht und sich im Spiegel betrachtet.
- Vermeide ein zu langes Vorspiel. Wenn die Eltern des Fußspezialisten nicht ankommen, dann schiebe das nicht 20 Seiten lang heraus. Lasse es so bald wie möglich passieren, damit du mehr hast, womit du arbeiten kannst. Mache es dir leicht.
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Finde die Stimmen der Figuren heraus. Deine Figuren zeigen sich durch ihre Sprache. Wie sie etwas sagen, ist vielleicht wichtiger, als was sie sagen. ^{[2]XVertrauenswürdige QuelleUniversity of North Carolina Writing CenterWeiter zur Quelle}
- Wenn die Tochter des Podologen fragt; “Was ist los?”, wird dessen Antwort dem Publikum sagen, wie es den Konflikt zu interpretieren hat. Vielleicht rollt er gekünstelt-dramatisch mit den Augen und schreit: “Alles!”, wobei er einen Stapel Papier in die Luft wirft, um die Tochter zum Lachen zu bringen. Aber wir wissen, dass es wirklich etwas gibt, das er überspielt. Wir sehen seinen Charakter so in einem anderen Licht, als wenn er gesagt hätte: “Nichts. Mache dich wieder an die Arbeit.”^{[3]XForschungsquelle}
- Erlaube deinen Figuren nicht, ihre inneren Konflikte herauszubrüllen. Eine Figur sollte nie schreien: “Ich bin nur noch die Hülle eines Mannes, seit meine Frau mich verlassen hat!” oder irgendetwas anderes, das ihre inneren Konflikte explizit benennt. Erlaube ihnen, ihre Geheimnisse wahren. Du möchtest, dass ihre Taten für sich sprechen, anstatt sie zu zwingen, sich dem Publikum zu erklären.
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Überarbeite. Der Leitspruch des Autors? “Kill your darlings.” -- “Töte deine Lieblinge.” Du musst ein scharfer Kritiker deiner frühen Fassungen sein, um die normalerweise chaotischen frühen Textvarianten in das durchschlagende und realistische Stück umzuwandeln, das du schreiben willst. Schneide Szenen, die sich hinziehen; schneide Figuren, die nutzlos sind; und gestalte das Stück so kompakt und rasant wie nur möglich.
- Gehe mit einem Bleistift über deine verschiedenen Fassungen und markiere alle Momente mit einem Kreis, die das Stück zum Halten bringen. Momente, die das Stück voranbringen, markierst du durch Unterstreichen. Schneide dann alles heraus, das eingekreist ist. Wenn es damit endet, dass du 90 % von allem Geschriebenen herausschneiden musst, dann sei es so. Fülle die Lücken mit Dingen aus, die die Geschichte voranbringen.
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Schreibe so viele Fassungen wie nötig. Es gibt keine richtige Anzahl an Fassungen. Mache so lange weiter, bis das Stück sich fertig anfühlt – bis du zufrieden bist, wenn du es liest und es deine Erwartungen an die Geschichte erfüllt.
- Speichere jede Version des Stücks, so dass du die Freiheit hast, Risiken einzugehen und immer zu einer älteren Version zurückgehen kannst, wenn du willst. Textdateien sind klein. Es lohnt sich.
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Teil 3

Teil 3 von 3:

Dein Stück formatieren

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Unterteile die Handlung in Szenen und Akte. Ein Akt ist ein Mini-Stück an sich, das aus mehreren Szenen besteht. Das durchschnittliche Stück beinhaltet 3-5 Akte. Im Allgemeinen kommt in einer Szene eine festgelegte Anzahl an Figuren vor. Wenn eine neue Figur eingeführt wird oder wenn die Figuren woanders hingehen, dann ist das ein Zeichen, dass du zu einer neuen Szene übergehst.
- Ein Akt ist schwer zu definieren. Die Fußspezialisten-Geschichte, zum Beispiel, könnte den ersten Akt mit dem Ankommen der Eltern und der Einführung des Hauptkonflikts beenden. Der zweite Akt könnte die Entwicklung dieses Konflikts behandeln, einschließlich Szenen, in denen die Eltern mit der Tochter des Podologen streiten, das Ostermahl gekocht wird und in die Kirche gegangen wird. Im dritten Akt könnte sich der Sohn mit seinem Vater versöhnen und dessen kranken Fuß ansehen. Das Ende.
- Je mehr Erfahrung du beim Stückeschreiben bekommst, desto leichter wird es dir fallen, schon beim Schreiben der Erstfassung in Akten und Szenen zu denken. Mache dir zu Beginn jedoch keine Sorgen darüber. Die Formatierung ist viel weniger wichtig als die Handlung des Stücks an sich.
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Schließe Bühnenanweisungen mit ein. Jede Szene sollte mit Bühnenanweisungen beginnen, in denen du kurz die physische Beschaffenheit der Bühne beschreibst. Je nach deiner Geschichte kann das sehr aufwendig oder relativ einfach sein. Das ist deine Gelegenheit, zu beeinflussen, wie das Stück am Ende aussehen wird. Wenn es wichtig ist, im ersten Akt ein Gewehr an der Wand zu haben, dann schreibe das.
- Schließe auch Anweisungen für die Figuren im Dialog mit ein. Die Schauspieler werden sich ihre eigenen Freiheiten mit dem Dialog nehmen und sich so bewegen, wie sie und der Regisseur es richtig finden, aber es hilft, wenn du besonders wichtige (deiner Meinung nach) Gesten und Bewegungen im Dialog festlegst. Bei einem Kuss ist es zum Beispiel wahrscheinlich wichtig, dass er angewiesen wird – aber übertreibe es nicht. Du musst nicht jede kleinste Bewegung einer Figur festlegen, da die Schauspieler solche Anweisungen soundso ignorieren werden.
In einem Stück ist der Dialog jeder Figur mit deren Namen in Großbuchstaben gekennzeichnet, in einer Schriftgröße von mindestens 10. Manche Dramaturgen zentrieren ihre Dialoge, aber das liegt an dir. Du musst keine Anführungszeichen oder andere Erkennungszeichen verwenden, solange du einfach die Rede trennst, indem du den Namen der Figur jedes Mal dazuschreibst, wenn sie spricht.
Das beinhaltet den Prolog, wenn du einen hast, eine Liste der Figuren mit einer Kurzbeschreibung derselben, alle Bemerkungen, die du zur Bühnenausstattung und anderen Bühnenanweisungen machen willst, sowie möglicherweise eine kurze Zusammenfassung oder Kurzfassung der Handlung (wenn du das Stück vielleicht bei Theaterwettbewerben einreichen willst). ^{[4]XForschungsquelle}
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Tipps

Erfinde keine Figuren, bevor du die Handlung schreibst. Du wirst beim Schreiben merken, wann Figuren gebraucht werden und du wirst wissen, was sie tun sollten.
Lasse zwischen den einzelnen Szenen Zeit für Bühnenänderungen und eine Neuaufstellung der Figuren.
Mache dir keine Gedanken über Namen. Du kannst sie immer noch später ändern.
Wenn das Stück eine Komödie ist, dann schaue dir lustige Sachen an. Leute fühlen sich schneller bei nicht-komödiantischen Stücken beleidigt. Bei einer Komödie hast du viel mehr Raum in dem, was du sagen kannst. Aber mache nichts zu Schlimmes (z.B., keine rassistischen Witze, keine sexistischen Witze. Keine Kraftausdrücke von kleinen Kindern. Das funktioniert nur im Film. Religiöse Witze gehen manchmal, aber manche Leute nehmen sie ernst.)
Du kannst Momente hineinschreiben, in denen Figuren ins Haus kommen (das Haus ist das Publikum). Das wird meistens bei Musicals verwendet, aber sollte es nötig sein, übertreibe nicht damit.
Sei kreativ.

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