Cómo hacer un cortometraje animado

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En este artículo:

Hacer un animatic (preproducción)

Animar tu película (producción)

Terminar tu película (posproducción)

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Referencias

Es fácil interesarse por la animación, pero esta es difícil de dominar. Hay tantos estilos de animación como animadores y comenzar por un cortometraje es una gran forma de practicar técnicas de animación a medida que desarrollas tu estilo característico. Tal como cualquier otra película, la animación toma tiempo, paciencia y mucha planificación para hacerla bien, pero cualquiera que tenga una computadora puede hacer un cortometraje animado.

Pasos

Método 1

Método 1 de 3:

Hacer un animatic (preproducción)

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   Redacta un guion. Esto a menudo es más fácil de decir que de hacer, pero tienes que anotar tus ideas claramente y darles estructura antes de empezar a trabajar. A diferencia de las películas de imagen real, es casi imposible "improvisar" una película animada, ya que simplemente toma demasiado tiempo animar todo. Puedes usar un simple documento de Word o un software de escritura de guiones como Celtx, Writer Duets o Final Draft. Tu guion no necesita diálogo, pero sí necesita lo siguiente:

   • Un tema: ¿cuál es el "punto" del cortometraje? Este no tiene que ser grandilocuente, profundo o complicado. Puede ser cualquier cosa desde "la pérdida de la inocencia infantil" o "el aburrimiento es un estado mental" hasta "quiero hacer reír a la gente con este chiste". Piensa en él como un principio rector para tu película.
   • Personajes: ¿qué es lo que atrapará la atención del público? Esto puede ser cualquier cosa, desde una persona o animal hasta una línea garrapatosa, como en el cortometraje ganador del premio Óscar El punto y la línea: romance en matemáticas básicas.
   • Imágenes: ¿en dónde se lleva a cabo el cortometraje? ¿Cuál es el ambiente o la atmósfera? Un guion necesita contar la historia del cortometraje por completo de forma que pueda usarse como cianotipo para el trabajo futuro.
   • Un principio, un medio y un final: parece obvio, pero ese es el punto. Casi todas las historias se cuentan en tres partes o actos específicos y delineados. Esto no significa que debas tener una historia de tres actos o incluso personajes. Sin embargo, sí tienes que planear la acción del cortometraje antes de avanzar.
     • El primer acto presenta los personajes a un problema (tienen hambre, el mundo se está acabando, al chico le gusta la chica, etc.).
     • El segundo acto complica la historia o problema (todas las tiendas están cerradas, el malo podría ganar, la chica ya tiene novio, etc.).
     • El tercer acto proporciona una resolución al problema (encuentran una tienda de sándwiches, salvan al mundo, el chico conoce a otra chica, etc.).
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   Haz bocetos de modelos de personajes. Antes de comenzar a animar, tienes que saber cómo se verán tus personajes. Haz bocetos de ellos en una variedad de poses, vestuarios y expresiones para obtener una idea de cómo se verán. Recuerda que un personaje puede ser cualquier cosa en una película animada, desde un oso hasta un salero y un pimentero. Aun así, debes desarrollar tus personajes con anticipación de forma que siempre se vean iguales cuando los animes.
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   Crea un guion gráfico. Los guiones gráficos son dibujos individuales para cada trozo de acción en el guion y se usan en la producción de casi todas las películas, ya sean animadas o no. Son tanto simples como extensos, ya que se necesita uno para cada cambio que quieras en la película. Sin embargo, no necesitan detalles de fondo ni color a menos que sean esenciales a la historia. Puedes encontrar e imprimir una variedad de plantillas gratuitas para guiones gráficos en línea o dibujarlas tú mismo. Cada cuadro del guion gráfico tiene dos partes:

   • La imagen: en un recuadro rectangular, dibuja la acción principal de la toma ignorando las imágenes de fondo por el momento. También puedes dibujar notas o flechas para indicar el movimiento.
   • El diálogo: debajo de esto, anota lo que debe decirse en la toma, la longitud propuesta de la toma y cualquier efecto (enfocar algo con el zoom, cámara temblorosa, etc.).
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   Importa tu guion gráfico a un programa de producción de videos, guardando cada cuadro individualmente. Una vez que tengas las tomas planeadas, impórtalas a tu computadora. Asegúrate de ponerles nombre adecuadamente (Acto1.Escena1.Toma1.jpg, por ejemplo). Al terminar, impórtalas todas a tu software de edición de video (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) y colócalas en el orden correcto.

   • Adobe AfterEffects o Premier son considerados los estándares de la industria, pero puedes usar cualquier programa con el que te sientas más cómodo.
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   Usa tu guion gráfico para realizar una presentación de diapositivas cronometrada, o animatic. Los animatics son los montajes aproximados de la animación. Unen el ritmo del cortometraje y permiten cronometrar el tiempo adecuadamente para el cortometraje final. Esto suena complicado, pero en realidad solo son presentaciones de diapositivas con el tiempo cronometrado adecuadamente. Coloca las imágenes del guion gráfico en orden en tu software de edición y extiéndelas, córtalas y experimenta con ellas hasta tener un montaje "aproximado" del cortometraje final.

   • Puedes encontrar ejemplos de animatics en línea, como el animatic para el video musical de Feel Good Inc. de la banda Gorillaz, así como algunos animatics de los estudios Pixar.
   • Casi todas las películas animadas son hechas a partir de animatics. De otro modo, corres el riesgo de gastar horas animando completamente una escena que tenga que cambiar, alargarse o acortarse, o eliminarse.
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   Agrega el diálogo y los efectos de sonido y ajusta el tiempo del animatic según sea necesario. Una vez que determines la medición aproximada del tiempo, es momento de pre grabar el diálogo. Esto no tiene que ser perfecto e incluso puedes fingir los efectos de sonido con la boca y las manos si quieres. Lo que importa es la medición del tiempo. ¿Tienes suficiente tiempo en la toma para decir todas las palabras? Extiende o acorta la longitud de las diapositivas según sea necesario.

   • Mientras más cercano a la perfección pueda ser el diálogo, mejor, ya que la mayor parte de la buena actuación de voz requiere una medición del tiempo adecuada. Con esto en mente, ahora no es el momento de preocuparse por los pormenores de la actuación de voz. Tienes que terminar el animatic antes de pasar a la producción completa.
   CONSEJO DE ESPECIALISTA

   

   Melessa Sargent

   Productora cinematográfica

   Melissa Sargent es la presidenta de Scriptwriters Network, una organización sin fines de lucro que reúne a profesionales del entretenimiento para enseñar el arte y el negocio de la escritura de guiones para televisión, presentaciones y nuevos medios. Esta organización proporciona programación educativa, desarrolla acceso y oportunidades mediante alianzas con profesionales de la industria, y promueve la causa y la calidad de la escritura en la industria del entretenimiento para servir a sus miembros.

   

   Melessa Sargent
   Productora cinematográfica

   Tómate un tiempo adicional en la fase de edición para ajustar tu tiempo. Como un cortometraje solo dura unos 15 minutos, todo debe estar perfecto, desde la redacción del guion hasta la voz del personaje y la locación.
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   Revisa tu animatic como si fuera la película final. El animatic final debe contar toda la historia de tu película menos los adornos de color, fondos y detalles.

   • Si conoces sobre la edición de video, puedes agregar tomas panorámicas, enfocar usando el zoom y agregar transiciones en este momento para probarlas antes de tu edición final.
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   Considera comprar una tableta. Las tabletas son computadoras pequeñas que vienen con un bolígrafo electrónico con los que se puede "dibujar" directamente en la computadora. Dibujar bien con un ratón es casi imposible y, a menos que planees realizar proyectos pequeños o trabajos de animación cuadro por cuadro, es casi seguro que necesitarás una tableta.
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Método 2

Método 2 de 3:

Animar tu película (producción)

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   Determina tu medio de animación. Esto generalmente depende de la experiencia y las herramientas. Por ejemplo, es muy difícil, si no imposible, que un principiante con una computadora más vieja realice animaciones en 3D como las de Pixar. Existen muchos, muchos software y estilos de animación y todos tienen complejidades y técnicas únicas a cada uno.

   • Animación en 2D: este es el clásico aspecto de caricatura dibujada a mano. Los personajes son dibujos lineales planos. Originalmente, se dibujaban cuadro por cuadro pero ahora hay una variedad de software que hace que el proceso sea mucho más rápido, como Synfig, Pencil2D, ToonBoom o incluso Adobe Photoshop. Tradicionalmente, se usa de 12 a 24 dibujos por cada segundo de la película.
   • Animación en 3D: la animación en 3D es similar a los modelos usados en los videojuegos y películas como Toy Story y Shrek y es mucho más difícil de dominar. Aquí se crean modelos de los personajes y se codifica el movimiento dentro de ellos, lo que hace que la animación en 3D sea una especie de híbrido entre el arte y la codificación. También hay que agregar iluminación y texturas. Puede usarse software en 3D, pero toma mucho tiempo y requiere un software como AutoDesk, Poser Pro, Aladin o Sketchup. La mayor parte de la animación en 3D es el resultado de grandes equipos trabajando juntos.
   • Animación cuadro por cuadro: tan simple que cualquiera puede realizarla, la animación cuadro por cuadro es cuando se usan figuras o dibujos de la vida real y se toma una foto después de cada pequeño movimiento. Cuando las imágenes se reproducen una detrás de la otra a altas velocidades, simulan el movimiento. Sin embargo, esto consume una cantidad increíble de tiempo, ya que a menudo se necesitan más de 12 fotos por segundo de metraje para hacer que se vea fluido. Puedes usar recortes, modelos de plastilina, dibujos individuales o personas reales para realizar este tipo de animación.
   • Rotoscopia: una forma especializada de animación que se encuentra en películas como Una mirada a la oscuridad, la rotoscopia es animar sobre películas filmadas convencionalmente. Para realizarla, se necesita una tableta y revisar el metraje cuadro por cuadro usando el video como una guía para dibujar los personajes. El resultado es un aspecto realista pero de todas formas animado.
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   Dibuja los fondos. Empieza por los escenarios, ya que los personajes están superpuestos sobre ellos. El fondo debe ser todo con lo que los personajes no interactúan, ya que todo lo que se mueve debe animarse. El fondo debe ser un gran dibujo y escanearse a una alta resolución. Así podrás "enfocar" determinadas secciones sin distorsionarlo. Por ejemplo, si tienes a dos personajes hablando en una cafetería, debes dibujar toda la cafetería detrás de ellos. Sin embargo, es posible que quieras que la "cámara" se enfoque en cada personaje a medida que hablan individualmente. En lugar de volver a dibujar el fondo detrás de ese personaje, puedes copiar y pegar una sección más pequeña del fondo detallado para los "primeros planos".
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   Haz bocetos, modela o diseña tus "poses clave". ¿Cuáles son las poses esenciales de tus personajes o las acciones que los caracterizan en la escena? Piensa en ellas como los "destinos" para cada trozo de movimiento. Por ejemplo, un personaje preparándose para dar un puñetazo. Puedes dividir esto en tres "poses clave", cada una de las cuales tiene que dibujarse y guardarse por separado.

   • Pose clave 1 = En reposo. Podría ser un rostro de sorpresa, enojo o determinación, o simplemente el personaje con las manos a los lados.
   • Pose clave 2 = La preparación. ¿Cómo inclina el personaje su brazo hacia atrás? No te preocupes aún por el movimiento para llegar a esta posición, solo dibújalo con el brazo hacia atrás y listo para soltarlo.
   • Pose clave 3 = El final. ¿En dónde termina el personaje justo después del puñetazo? Su brazo estará expuesto y su cuerpo probablemente terminará el movimiento. Nuevamente, enfócate en la pose final, no en los cuadros a medida que la mano se mueve.
   • Mientras más poses clave dibujes, el movimiento será más complejo. Por ejemplo, puedes agregar cuadros clave del personaje con el rostro estupefacto, haciendo un puño con la mano, dejando caer el codo, balanceando el brazo, dando el puñetazo y luego girando al terminar el movimiento.
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   Dibuja los cuadros "intermedios". Por ejemplo, en el caso del puñetazo, ¿cómo llegaste de una pose clave a otra? Hay algunos software avanzados que lo hacen automáticamente. Una vez creados los modelos de los personajes, el software "reproduce" el movimiento intermedio automáticamente. Sin embargo, si apenas estás empezando, es probable que tengas que dibujar tus propios cuadros a mano. Mientras más cuadros dibujes, la acción se verá más fluida.

   • Puede ser útil colocar los cuadros clave en la pantalla como guías. Esto te ayudará a ver adónde tienes que llevar a los personajes y en dónde empezaron.
   • Si algo no se mueve, no te molestes en volver a dibujarlo. Copia y pega el cuadro clave, borra la parte que tiene que moverse y mantén todo lo demás en donde estaba.
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   Compón el metraje. Componer es solo una forma elegante de describir el proceso de hilvanar la película. Esto puede ser tan simple como ordenar todos los cuadros para la animación cuadro por cuadro o tan complicado como reproducir un modelo en 3D con la iluminación adecuada. Nuevamente, tu método de animación determinará cómo compondrás algo:

   • Para la animación en 2D, componer consiste en hacer que el movimiento se vea fluido. Los softwares como ToonBoom lo hacen automáticamente y puede llamarse "reproducir".
   • Para la animación en 3D, debes saber que toma mucho tiempo. Los efectos de iluminación y las texturas son difíciles de programar e incluso las computadoras más rápidas pueden tomar horas para componer un video.
   • Para la animación cuadro por cuadro, debes experimentar con la longitud de los cuadros y ajustar las tomas a una décima o centésima de segundo para obtener un movimiento fluido.
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Método 3

Método 3 de 3:

Terminar tu película (posproducción)

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   Graba cualquier diálogo para la película final. Ahora que tienes la animación casi terminada, es momento de asegurarte de que las voces queden bien. Tus actores de voz pueden ver la escena final, las expresiones de sus personajes y la medición del tiempo que quieres en la toma final. Esto les permitirá a ellos o a ti dar la mejor actuación vocal.

   • Ten presente que, para este punto, cualquier cambio en la animación podría consumir mucho tiempo. Por eso es que una preproducción cuidadosa es esencial para una película animada de cualquier longitud.
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   Agrega los efectos de sonido en donde sea apropiado. Los efectos de sonido deben venir después de los actores de voz y estar ajustados a un volumen adecuado en donde no abrumen el diálogo. Existen algunas excepciones a esta regla, por supuesto. Por ejemplo, si hay una explosión a la que los personajes tienen que reaccionar, puede ser mejor colocarla primero antes de grabar el diálogo. Esto ayuda a los actores con las reacciones.

   • La mezcla de audio es una forma de arte importante y sutil. Invierte en un buen par de audífonos o altavoces para sintonizar todos los volúmenes correctamente.
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   Edita la película hasta obtener tu visión final. Ahora que tienes toda la película unida, ¿cómo se ve? Es probable que algunas de las transiciones se vean toscas y que una o dos escenas sean más largas de lo que deberían. Tal como editarías cualquier película de imagen real, tienes que mirar tu pieza animada con ojos críticos y pulirla hasta que brille. Si bien no hay una forma "correcta" de editar una película, hay un par de principios que debes tener en mente:

   • ¿Alguna escena se siente rápida y esencial? ¿Te sientes involucrado todo el tiempo? ¿Una línea o toma específica ayudan a avanzar la historia o el tema? Si la respuesta a cualquiera de estas preguntas es no, empieza a cortar. A menudo, las primeras y últimas líneas del diálogo son superfluas, ya que entrar o salir directamente de una escena generalmente es más cautivador. Cada cuadro cuenta al editar.
   • Mira la película con alguien que esté distante al proyecto. ¿Hubo partes en las que se aburrió? ¿Algo lo confundió o necesitó más tiempo? ¿Cómo puedes editar tu historia para hacerla lo más fascinante posible?
   • ¿Cómo fluyó la escena? A veces, 2 o 3 segundos de metraje de fondo ayudan al espectador a recuperar el aliento y sumergirse en la siguiente escena antes de que el diálogo empiece.
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   Agrega toques para pulir, como efectos, transiciones y corrección cromática. Por ejemplo, si quieres un tinte sepia y de antaño para tu película, agrégalo al final. Estas clases de cambios pequeños son innecesarias mientras editas y construyes la película. Además, serán inútiles si editas la escena o cambias el esquema de colores. Todos estos toques mínimos tienen que ir al final, una vez que estés seguro de que el "meollo" de la película esté terminado.

   • Agrega barridos, disoluciones o fundidos de entrada a las transiciones entre las escenas.
   • Agrega cualquier filtro o efecto sobre el metraje terminado.
   • Al final de todo, agrega títulos y créditos al principio y al final según sea necesario.
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Consejos

• Tómate tu tiempo en la preproducción. Te ahorrará muchos dolores de cabeza más adelante.
• Haz una película de prueba, de no más de 20 a 30 segundos, si apenas estás empezando con un software nuevo. Esto te ayudará a aprender el programa y sus desafíos antes de sumergirte en tu visión.
• Trabaja en trozos pequeños para obtener los mejores resultados (una escena, una acción, etc.) y únelos más tarde.

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Advertencias

• No esperes la perfección en tus primeras películas. Ser experto en animación toma toda una vida.

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